■ Fink / Biscuits for breakfast
そもそもはNinjatuneからエレクトロニカやプレイクビーツ系の音をリリースしていたらしいミュージシャン/プロデュサーが、アコースティックな音を志向した第一弾アルバム。2006年リリース。未聴だが、この後、同じ路線でさらに2枚のアルバムを発表している。
彼一人でのトラックも数曲あるが、基本はベース、ドラムのメンバーとバンドスタイルでレコーディングが行われ、時にスライドギターやヴォーカルにもゲストを迎えるという形式のようだ。
アリソン・モイエのカヴァーが1曲含まれている以外は、共作も含め彼のオリジナル。
何をおいてもまずは彼の声である。このブルージーでソウルフル、かつ、けだるく虚無的で、またハードボイルドな声によって、彼のアコースティック・スタイルでのキャリアはある程度成功を約束されたのではないか。それほど魅力的な声である。「ブルージー」ゆえの「甘さ」も備わっている。
従って楽曲もおそらくこの声を生かす方向で制作されるというのが筋というものである。そしてそれがほぼ果たされて出来上がったのがこのアルバムだということになる。スライドギターが数曲で彼の「孤独」な横顔を演出するかのように実に効果的に響く。バッキングがスカスカなのも彼の声を生かすためだと考えれば充分にわかる。
次のステップがもしあるとしたら、エレクトリックなブルースへの試みだろうか。その際にこの声がどう変わるのかも聴いてみたい気がする。
試聴
■ Cosiner & Capital / Haunt (2005) , Still (2006)
米在住日系トラックメイカーのコサイナーとギタリストのキャピタルの共演アルバム2枚。
メロディアスでちょっとジャジーだったり、ブラジルっぽかったりするコサイナーのトラックに、クリアなトーンのキュピタルのギターが乗るという形。プロデュースはどちらもコサイナー。
まずは'Haunt'から。
音色としてはキーボードとギターが中心でそこに時折ホーンの音が混じる体裁。
基本的に「リゾート・ミュージック」といっていいんだろう。余計なことは何もしない環境で聴く、余計なことは何もしない音楽。確かにそういうに足る楽曲も含まれているが、皆が必ずしもそういうタイプでというわけではない。妙に思わせぶりだったり屈折感があったり、というものも含まれている。せいぜいが、曇り空の下でのリゾート・ミュージックというくらいが適当かもしれない。そうなると最早それはリゾート・ミュージックでも何でもないということになるわけだが、それは言い換えれば、リゾートには縁も所縁もない私にも充分に楽しむことができるということにもなる。'Huant'なるタイトルが醸し出す不穏な不気味な要素も内包されているということだろう。スロウな曲には、いくらかセンティメンタルな展開も出てくるし、思ったより音の志向する幅は広い。
次に'Still'。
'Huant'の翌年リリースされたのがこのアルバム。
冒頭の1曲は、前作同様、イージー・リスニング的、リゾート的なタイプのもの。ただこの楽曲にしてからが、すでにアルバムタイトルに見合う「静謐さ」を漂わせている。
つまり、このアルバムも前作同様、音楽的な幅や深さはそれなりに維持されているということだ。メランコリックなムードが前作より強い感触もある。
コサイナーのトラックは基本的にシンプルながら、今回はパーカッションの響きがそこここに聞こえてきたり、キャビタルのギターにもスパニッシュ風、ブルース風な意匠が施されたりと、音に創意工夫は感じられる。決して聞き流す音にはなっていない。
音と音のあわいに呼吸を運ぶ隙間を取り入れながら、時に風鈴のように音を奏で、時にもの哀しく、憂鬱な情景も見せる。それらが皆控えめで涼しげなところに何よりこのユニットに真髄はあるのだろうと思わせる。
'Haunt'の試聴
'Still'の試聴
■ Eric Clapton and Steve Winwood / Live from Madison Square Garden
書こう書こうと思っていて、結局延ばし延ばしになっていたアルバムである。2枚組のライブアルバム。
クラプトンについては「嫌いじゃない」というくらいだが、ウィンウッドのアルバムはとりあえず出れば聴くというスタンスでいるので、この、半ばブラインド・フェイス再演のアルバムは当然聴くことになる。しかし公式には40年ぶりの共演なんだそうだ。
バッキングメンバーが、もしかたら現行クラプトン・バンド、つまのデレク・トラックスが入るのかもという期待があったのだが、それは叶わなかった。2人以外のミュジシャンは、ウィリー・ウィークス、クリス・ステイトン、イアン・トーマス。プロデュースがトム・ダウド、ならよかったのだが、既に鬼籍に入られているのでそれも叶わず。
曲は、ブラインド・フェイス唯一のオリジナル・アルバムから4曲を再演。それ以外に2人の各々のソロやバンドのキャリアから選曲されたナンバーは確かに豪華だ。個人的には、'Can't Find My Way Home'(昔、ケビン・コスナー主演の「ファンダンゴ」なる映画を見た際にエンドロールとともに初めて聴いたときのことが思い出される)初めブラインド・フェイスの4曲以外には、トラフィックのナンバーや「ブードゥー・チャイル」「リトル・ウィング」のジミヘン・カヴァーあたりが聴きどころということになるか。選曲にもうひとひねり欲しかった気もするが、ま、この二人ならこうしたあまりひねりのないセットのほうがリスナーに訴求するんだろうとも。
曲によっては、2人のツインヴォーカルなどというサービスも盛り込まれるし、ウィンウッドのヴォーカルやハモンド、クラプトンのギターソロにはスリリングなところも多々感じられるが、どちらかというと、余裕をこそ感じさせる演奏である。良くも悪しくもそういうアルバムだろう。
しかし、このところクラプトンはクリーム再結成を経て、続いてこのブラインド・フェイス再演となったわけだが、何か意識してのことなのだろうか。次はドミノス再結成か。となると当然、デュアンの代行はその名もデレク・トラックスということになったりするのかな。しかしそれはある意味で既に果されてもいるのだから、ないかな、やっぱり。
そういや、この2人と直接は全然関係ないのだが、ロンドでの復活ライブで一時話題になったツェッペリンの再結成とかツアーとかいう話は、結局立ち切れになったのかな。
ネット上でどなたかが書いておられたのだが、プラントがやらないのなら、ここでこそテリー・リードを起用するなどというプランはどうだろうとも。でも、ペイジより、テリー・リードのほうが嫌がるかな、やっぱり。
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■ Kelly Joe Phelps / Western Bell
キャリア中、初の全編ギター・インストゥルメンタルアルバム。ギターは、6弦、12弦のギターに、ラップスライドギター。
よくはわからないが、他のリスナーが書かれているように、オール・インプロピゼイョンというか、事前に作曲されたものをレコーディングするという通常の手順を踏まずに即興で演奏されたものかもしれない。確かにそういう音は全編で鳴っている。ただ、じゃ、いわゆる「フリー・ジャズ」のような類の音なのかというと、そうではないように感じられる。ただ「フリー・ジャズ」についてはほとんど聴いていないので、その辺はきわめていい加減な感想ではあるのだが。
少なくとも、ここには「フリー」に対する当為は感じられない。彼のこれまでのアルバムで聴かれていたカントリー・ブルース的な音がベースになった上での音作りであることは確かだろう。なじみのあるメロディやリズムの展開も始終登場する。
あらかじめ作曲されていない音を、探しながら演奏していくことの意味は、ごく普通に考えれば、演奏している当人にも考え付かなかった音や展開や響きが「降りてくる」ということだろう。そういう意味では、これはなかなか興味深い音になっている。通常の流れを、「まったく」ではなく、いくらかずつずらしながら音の痕跡は、やはり今まで聴いたことのなかった感覚と「世界」を味わわせてくれる。予定調和の心地よさとは、まったく異なる「心地よさ」は否定しがたくここにある。
もしかたら結構久方ぶり、のスライドも聴こえてくるし、何よりも音の響きの美しさは際立っているように感じられた。所々で聴こえてくる立ち切れの「リリシズム」は、何だかまるで私たちの日常を暗示しているようで、私は結構、この音が気に入っている。、
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■ Senti Toy / How many stories do you read on my face
2006年intoxicateからのリリース。
ライナーによると、彼女は、フリージャズ系でサックス等管楽器のマルチプレイヤーのヘンリー・スレッギルの妻で、首狩族の末裔、国籍としてはインド人だが、インドのナガランドという、ミャンマーと国境を接する山岳地帯の出身で、顔立ちは、東アジア系、つまり日本人にも近い感じということになる。 インド時代から歌う機会はあったようだが、スレッギルと結婚後、夫君のツアーに参加していたら、メンバーのブランドン・ロスやトニー・セドラスに薦められて歌う機会を得たとのこと。
ということで、このアルバムにも上記の2人に加え、フェルナンド・ソーンダース、カルビン・ジョーンズ等、ニューヨークのジャズ系シーンのミュージシャンに加え、インド出身のパーカッション・プレイヤーも参加している。
曲は、トニー・セドラスの2曲を除くと残りはすべて彼女自身のオリジナル。楽器の使い方やアレンジでいくらかエスニック的な部分は聴かれるが、大半は、西洋的でポップな音楽である。曲想やアレンジ等からいわゆるSSW的といっていいと思う。ライナーには、ジョニ・ミッチェルの名前も挙がっているが、ま、音楽としては遠いとは言わないが、個性としてはだいぶ異なるだろう。いわゆるジャズの要素はほとんど窺えないし、素直にフォーキーでポップないでたちをしている。
声質は、結構清楚でかつキュートな感じか。線は、やや細め。全体に、落ち着いた、けれんみのないアレンジが施されており、この辺りにも好感が持てる。全体にいい意味でナチョラル。
何でも2007年の「ウォール・ストリート・ジャーナル」のベスト・アルバムなんだそうである。ま、ニューヨークの地元新聞ということなら頷けるし、ストレスフルな日々を送るバリバリの金融系エリートビジネスマンを癒す音なのかもしれないとは思う。というのはかなりこじつけ、ですね。
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■ 44 /100
44. Perter Gabriel / Peter Gabriel (3)
ジェネシスは学生の頃、プログレファンの先輩からテープをもらったりして聴いたが、あまりピンとこなかった。が、ソロになってから(ってこのパターンが多いな、しかし。ま、仕方ない)、聴き出したのだが、1st、2ndあたりはこれもレコードを買ったのはかなり後のような気がするので、たぶん彼のアルバムで最初に身銭を切って手に入れたのはこの3rdだろうと思う。
収録曲には"I Don't Remenber","Family Snapshot", "Games Without Frontier"そして"Biko"等、彼のキャリアの中でも記憶に残る曲が少なくない。
スティーヴ・リリーホワイトのプロデュースによるサウンドはプログレッシブで、かつ楽曲は比較的聴きやすい。ヒプノシスのカヴァーデザインも含めて印象深いアルバムである。
■ Triosk / Moment Returns
トリオスクの単独名義のデビュー・アルバム。2004年リリース。
3人の編成は、ドラム/ヴァイヴ, キーボード/ヴァイヴ, ベース。
加えて各々にすべて'Loops'というクレジットもある。また収録曲2曲にヤン・イェリネックの'loop-finding-jazz-records'からのサンプルが使われているとのクレジットもある。
わかりやすく言うと、イェリネックとの'1+3+1'の音をトリオスクだけでやってみたらこうなったという趣の作品である。彼らがそれを意識したのかどうかはむろんわからないが、全体のムードは似ている。が、むろん相違点も感じる。こちらのほうが「サウンド」ではなく「楽曲」を意識したところが強いのではないかと思うのだ。たとえば「リリカル」な要素もここでは排除されていない。だから単純に、音楽としてはこちらのほうが聴きやすいとは言えるだろう。それは、もしかしたらベルリンとシドニーの違いなのかもしれないし、単にイェリネックとトリオスクの違いなのかもしれないが、なかなか興味深くはある。
しかしこうしたサウンドスケープの中でふと聴こえてくる清水のような生ピアノの響きには格別のものがある。こういう音が鳴らせるというのは、まずもって「耳がいい」のだろうと思う。
イェリネックのつくる音より、いい意味で「牧歌的」で「田園的」といえるかもしれない。
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■ Triosk Meets Jan Jelinek / '1+3+1'
最初に聴いたヤン・イェリネックのアルバムは、確か'La Nouvelle Pauvret'だったが、これは個人的には今ひとつだった。だが、当時まだデビュー前だった、オーストラリアはシドニー出身のトリオスク(いわゆる'Nu jazz'トリオとしておく)と組んだこのアルバムは随分とよく聴いた。2003年リリース。
最初に、ベルリンのイェリネックがループやらサンプルやらを制作し、それをシドニーに送り、トリオスクがそれをもとに演奏し、それがさらにベルリンに戻され、最終的にイェリネックに仕上げるという手順が踏まれたようだ。タイトルはそこに由来するらしい。
で、出来上がったものは、さすがに(今となってはそう言えるのだが)イェリネック絡みという音になっている。
イェリネックにはおそらく、トリオスクの演奏をメインのテーマに据えるという発想はたぶん微塵もなかったのだろう、それが功を奏しているように思われる。だからこそ、トリオスクの奏でる生演奏がひとつの有効な素材として音の中で活かすことが可能になったように思う。
曲としてのきちんとした展開はここにはない。ジャズではなく、ジャズトリオの音を素材にしたエレクトロニックなサウンドということだ。しかし、そのループとサウンドテクスチュアを織り成す音の響きは恐ろしく「クール」で聴かせる。
音に対するエディトリアルな感覚、音色や響きへの繊細さと、ラフでインプロ的な野性味が同居する様はやはりスリリングということになる。
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■ Rosie Brown / Strange Recollection
4年ぶり3作目。
ライナーによるとバッキングメンバーは前2作と概ね変わっていないようだ。むろん、プロデューサーであり、バッキングギタリストであり、コンポーザーでもあるバーント(「ド」?)・レスト(Bernd Rest)は今回もこれまでと同様のポジションを占めている。曲は、ブラウンとレストの共作がメインで、各々の単独作が混じるという体裁だが、珍しく1曲だけ取り上げられたカヴァーは、ブッチ・ハンコックなるテキサスのSSWの作品とのことである。ちなみにこの曲はフィドルを交えたカントリー仕立てになっている。またインストナンバーが2曲含まれてもいる。
概ね、前2作と同様の感触を抱かせる楽曲であり音づくりである。アレンジでも、ホーンやヴァイオリン・フィドル、ドブロなどを含む、ブラックミュージックやルーツ系を意識した落ち着いたもの。曲想は、フォークとトラッドをベースに、R&B等の要素も加え、コンテンポラリーな味付けがなされている。
ライナーでも触れられ、確かにデビュー・アルバムではそれなりに窺われたジャズ的、R&B的な部分は、2ndで減退したように思えたのだが、ここではいくらか復活しているように思う。リズムの切れが実に鮮やかだった1stから、2ndでメロウな方向にシフトチェンジし、今回では1stと2ndを折衷したようなつくりになっている感がある。それはたとえば、ボーナストラックとして追加された1stからの'Odessa'の醸し出すグルーヴを聴いてみればわかりやすいように思う。
サウンド・アレンジ的にも、プログラミングこそクレジットされていないが、随所で結構ファンキーでダイナミックな音使いが試みられているのが耳に残る。個人的には、2ndの曲想やサウンドに少々物足りなさを感じていたのでこの振り戻しの傾向は歓迎したい。
ただもっと大胆になってもいいように思う。
才能とセンスは間違いないのだから。
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■ 堀江敏幸 / バン・マリーへの手紙
岩波の「図書」の連載をまとめた書物。2007年5月の発売。
各々10ページほどの「随筆」が25編ほど。タイトルに使われている「パン・マリー」は、冒頭に置かれた「牛乳は嚙んで飲むものである」の中に出てくる「湯煎」を意味するフランス語である。
著者が幼稚園に通っていたときの先生が、冬場に牛乳を子供たちに飲ませるときに、石油ストーブに乗せた「たらいの中にもうひとつ水をはった鍋を入れて二重底にし、そこに通常の半分のサイズのちびっこい牛乳瓶を、口のところについている青や紫のビニールだけとってずらりならべる」ことによって、牛乳を熱すぎもせず冷たすぎもしない、自然なあたたかさにし、そうすることによって独特の「あまみ」が出ると言っていたことから、それが正確には「湯煎」というより一種の「お燗」というべきものであったということを踏まえたうえで、仏文学者である著者の専門領域である「フランス語」に話題が移っていく中で言及されたのが、この「バン・マリー」(bain-marie)なる言葉である。
ちなみに、「バン」は、お風呂・浴槽を意味するが、「マリー」の由来には諸説あるとし、どうやら何らかの意味で、この技術が考案された14世紀ごろの「マリア信仰」と関係があるらしいとも触れられている。直接ではなく間接的にあたためる「やさしさ」「やわらかさ」が聖母マリアのイメージに重ねられたということらしい。
と前置きが長くなったが、この間接的、あるいは中間的、言い換えれば、どっちつかず、中途半端というのが、著者があえて選んだ「立ち位置」である。著者は言う。「手に入れた材料を、言葉を、体験を、レンジフードの換気を最大にしてがんがん火であぶり、炒めるような真似だけはしないで、火加減に気を配りながら湯煎にかけること」。
この散文集のこの冒頭の一編意外でも、この「湯煎」という言葉が何度か繰り返されていたはずだが、つまり、あえて言うなら、本書にどの一編でも、そういう立ち位置を維持することの意味をさりげなく訴えているということになる。と、肩肘張った言い方こそ似合わないのだが。
個人的には、私がかつて1年間だけ通った大学のゼミでレポートを書いた、アメリカの画家ベン・シャーン(ここではリトグラフや挿絵が主に取り上げられる)や以前よく読んでいた幸田文の話題が出てきたのは何だか嬉しかった。話題には、やはり文学や翻訳について多く採られているが、必ずしもそうした分野にこだわることなく、もっと日常的な、さりげない「瑣末な」ことも少なくない。
小説もいいが、こうしたいわゆる随筆、エッセイ的な散文もいい。
文体は、幾度か触れたように、ただただ軽快に流れていくようなタイプのものではなく、もっとごつごつした質感を残したものだが、その原料と加工の仕方までが想像できるような(もちろんできるはずがないが)あり方に素直に好感を抱けるのは、何と言うか、おそらくそれが著者の、思考やその対象への、あるいは文章表現自体に対する真摯さの表れだと思えるからだろう。
■ 43 / 100
43. Tom Verlaine / Tom Verlaine
テレビジョン解散後、ソロとしての1stアルバム。
これはよく聴いた。特に"Souvenir from A Drteam"と後にデビッド・ボウイがカヴァーする"Kingdom Come"が好きだった。
ドラムにパティ・スミス・グループのジェイ・ディー・ドゥーティとアラン・シュワルツバーグ、ベースにフレッド・スミス、ミキサーにボブ・クリアマウンテン等を配し、意外にポップな楽曲と、しかしアルバム冒頭から響くあのメタリックで狂気を帯びたようなギターとユニセックスでへなへなのヴォーカルはどうしても「ロック」を感じさせた。
しばらくのインターバルを置いてまた活動を開始したらしい彼の新作はまだ聴いていない。
■ Johnny Hammond / Gambler's Life
オルガニストのジョニー・ハモンドが全編エレピ(とシンセ)を弾いたアルバムのリイシュー盤。
オリジナルは、74年にCTIのサブレーベル'Salvation'からリリースされた。このリイシューは、イギリスの'Soul Brother Records'からのもので、ミゼル・ブラザースがアレンジとプロデュースを手がけたオリジナルに、彼の他のアルバムから4曲を追加収録したもの。追加収録は、オルガン主体のプレイ。
参加メンバーは、ミゼル兄弟を初め、ハービー・メイソン、ワー・ワー・ワトソン等。
ジャズの要素はほぼ払拭されている。ソウル、クロスオーヴァー、あるいはいっそのこと「ポップス」といってもいいくらいである。
曲には、ジョニー・スミスのカヴァーもあるが、半数以上がラリー・ミゼルの楽曲。ちなみにボーナストラックには、アレサ・フランクリン、スティーヴィー・ワンダー(「ハイヤー・グラウンド」)等の曲が並ぶ。
前述どおり、ミゼル・ブラザーズの音であるからして、インストにコーラスが絡む、基本的に極めて「ポップ」な仕上がりである。
だから、楽曲のクオリティは保証されているとはいうものの、ある種、「金太郎飴」的なところも免れ得ない。
確かに、主役のハモンドのエレピは派手に走り回るが、それ以外の音も同様に派手なつくりになっているので、前に出てきているとは必ずしも言いがたい。
だから正直に言うと、オリジナルの8曲めまでは、聴くコンディションによっては少々疲れる、ということもある。曲によって何だか「ディスコ」的なところも感じないわけではない。エレピの音質も、正直なところ、個人的な趣味からいうとちょっと明快に過ぎるところがある。別の言い方をすると、空気に溶けていくようなあの滲み具合があまり聴こえてこないのが少々残念ではある。
ただ曲によっては、非常にスピード感と腰の強いグルーヴを感じる「ジャズ・ファンク」もある。
ま、エレピがいっぱい聴こえてくるだけで、それなりの涼は得られるような気分になるので、それで充分とも言えるのだが。
実は、どちらかというとボーナストラック4曲にほうに、より妙味が見出せたりなんかするわけである。
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■ Boozoo Bajou / Grains
ドイツ出身の2人のユニットの、オリジナルアルバムとしては3枚めのようだ。'!K7'からのリリース。
クレジットから判断するに、ピーター・ヘイダー(Peter Heider)がある程度イニシアティヴを握っているように思える。
聴くのはこれが初めてだが、印象としてはZero7に最も近い。そういや彼らも2人のユニットか。
生音中心のようで、楽器のクレジットが各曲にきちんとなされている。
半数ぐらいの楽曲で複数のヴォーカリストが起用される。個人的には都合3曲で起用された'Rumer'の清水のように透明でナチョラルな声が最も印象に残った。
特筆すべきは、サウンドブロダクションの緻密さと楽曲の出来のよさ。
ひたすらメロウでリゾート向きの音である。
楽曲の出来が、ヴォーカルナンバー、インストチューン問わず、非常にいい。またその配置やバランスも絶妙に思える。またエレピを初め、楽器の響きも美しい。
ダビーなところを含め、サウンド的にも、けれんみはさほどないものの、センスの良さは全編にあふれている。
この後、2ndも聴いたので、いずれまた。
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■ Donald Byrd / Ethiopian Nights
'Electric Byrd'の翌年71年リリース作。
この後が'Blackbyrd'というミゼル兄弟と組んだ最初のアルバムになるようだ。ただこのあたりの流れには疎いので、違ってたらごめんなさい。
トランペット、テナーサックス、トロンボーンの3管をフロントに、ボビー・ハッチャーソンのヴァイヴ、ウィリアム・ヘンターソン�靴離團▲�/エレピ、ジョー・サンプルのオルガン、ウィルトン・フェルダーのベース、1曲のみだが、デビッド・T・ウォーカーも参加している。プロデューサーはジョージ・バトラー。
曲は、15分超と17分超の大作2曲の間に3分台の小品が挟みこまれるという体裁。
この流れも悪くないし、全体にオーガニックでありながら、ジャズがロック的に、エレクトリックに変化していく時代性も感じさせる「中庸」なバランス感覚も悪くないと思う。
バード自身の曲のメロディも聴きやすいし、かつサウンドを支える強靭なファンクネスにも言うことはない。
大作2曲も、その長さを感じさせない大衆性と、長尺ものには必要な何某かの中毒性、それにある種の「先鋭性」も感じさせ、聴かせる音になっている。
こちらも佳作。
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■ Donald Byrd / Electric Byrd
ジャズトランペッター、ドナルド・ハードの1970年リリースのアルバム。
時代的には「エレクトリック・マイルス」の影響下にある音楽ということか。バード個人としては、ミゼルブラザーズのスカイハイプロダション主導のサウンドになる前夜ということのようだ。
参加メンバーは、プロデューサーも兼ねる、エレピのデューク・ピアソン、ベースのロン・カーター、パーカッションのアイアート・モレイラ、他にサックス・プレイヤーとして、フランク・フォスター、ルー・タバキン、ペパー・アダムス、ジェリー・ダジオン、ギターにウォリー・リチャードソン等の豪華なメンツが参加。また1曲のみだが、ブラジル人ミュージシャンのエルメート・パスコアルも参加。
曲は、8分台から13分台までの長尺ものが4曲。バードの曲が3曲と残り1曲はアイアート・モレイラの作品。
サイケデリックでドープ、はたまたアブストラクトなイメードを持つサウンドが続いた後に比較的わかりやすいファンク・サウンドでアルバムは幕を閉じる。
比較的従来のジャズ的な旋律を持った曲においても、上記のようなかなり意識的なサウンドが志向されている。ダビーともいえるような場面もある。
そういう意味では確かに「先鋭的」とていってもいい音かもしれない。ただむやみに極端な方向に走ることなく、きちんとバランスの取れた音になっている。
ピアソンのエレピにもう少しナチョラルな響きがあってもいいかとは思うが、ま、これは個人的な趣味の問題だろう。ただ少々矛盾するかもしれないが、私的には、アブストラクト度高めの"Essence","Xibaba"がお薦め。
いずれにしても秀作。
夏場には結構合うような気がする。
試聴
