■ Culver City Dub Collective / Dos
ジャック・ジョンソン・バンドのドラマーと、もうひとり、ギタリスト兼エンジニアの2人が立ち上げた、L.A.ベースのレゲエ/ダブ・プロジェクトということらしい(このあたりはネット上の情報の単なる受け売り)。 そのデビューアルバム。
ベン・ハーパー、ジャック・ジョンソン、マニー・マーク等々、ゲストは結構豪華らしい。
トロンボーンやサックス等の管楽器を含んだR&Bやジャズ的な要素も取り込んだレゲエ/ダブというところか。
音自体は聴きやすいが、随所にダブ特有のドープだったり、実験的だったりする匂いも。
そのあたりのバランスがよい。ヴォーカルナンバーが大半だが、アレンジや音処理の妙味が結構光る。
ただやはり西海岸出ということもあるのか、サウンドの印象は、さっぱりしている。それはそれでOK。
■ 平川克美 / 経済成長という病 退化に生きる、我ら
内田教授の旧友である著者の新刊新書。
いくつかの会社を経営したり関わったりする著者が、タイトルにあるように「経済」を一応の軸として世界のありようを読む試みとでも言えばいいか。
で、これがおもしろかった。
まずは、昨今の「金融危機」にいたる道筋を著者が「自己批判的」に検証しようという前提が、おそらく他の類書と異なる点だろう(といっても他の類書を読んでいないのでその辺はあくまで推測だが)。その姿勢は序章の「私たちもまた加担者であった」に明確に示される。
それは「金で金を買う時代」への批判という本書の眼目にも繋がっていく。商品やサービスを媒介しない「金融ビジネス」を博打と同じと言い切るのも、同様の批判である
自身の、経営者、ビジネスマンとしての経験や、その経験と時代との関係を測りながら、一方で、エマニュエル・トッドの「帝国以後」を引き、たとえば少子化や人口減少を問題視する姿勢そのものに批判的な視線を送る。もしかしたら、これまでの人口増加は急激でありすきたのではないのか。増えすぎた人口を、我々は、(むろん別の「理由」をつけて)抑制しようとしているのではないのか。
確かに経済成長にとって、人口減少は問題となるのは当然だが、人口増加が「行き過ぎ」ていたとしたら、経済成長も同様ではないのか。そこから「経済成長」そのものを「病」と見ることも可能となる。
さらに、いわゆる「グローバリズム」とグローバル化の相違、日本の文化が「金で買えない」ホスピタリティを旨とすること、「市場原理主義」と言葉遣いの関係、教育へ「ビジネス」の発想を持ち込むことへの批判、著者の会社の所在地であるという秋葉原で起きた、かの事件について等々、実に様々な「具体例」と「引用」を取り込みながら、著者は、検証と思考を重ねていく。
内田教授の著書やブログを読んでいる身としては、確かに似たような知見が語られるところに気がつくが、それは二人が近い間柄なら当然だろうと思う。
「まっとうな」市民感覚に基づいた視線と思考の積み重ねによる説得力を感じることになった。
お薦めです。
■ Chimp Beams / Brooklyn Days 2001-2008
タイトル通り、ニューヨークはプルックリンで活動する日本人3人からなる「エレクトロニック・ジャズ・ダブ・トリオ」の編集アルバム。
これまでに発表した楽曲のミックス違いや、リミックス、デモ、未発表曲、12インチオンリーで既発曲等々を集めたもの。
ジャズやダブ以外に、ヒップホップの比重は高め、ほかにもロックやブラジル音楽、ハウス、ポストロック、エレクトロニカなどの要素が散見される。オール・インスト。生音もいくらか取り込まれているようだ。
音自体は非常に滑らかだったり、一方で骨太でファンキーだったりと多彩な感触。
オリジナルアルバムは聴いたことがないが、このアルバムには、かなり好印象を受けた。ただ地味といえば地味。
メロディは、日本人好みにセンティメンタルだったり、メランコリーだったりもするが、決して過度ではなく、実験性もほどほどに抑えられ、ヒップホップとダブの、重心低めなサウンドは、非常に心地よい。
おそらく「エレクトロニック・ジャズ・ダブ・トリオ」としての「プロモーション」は正しいのだろうと思わせる間口の広さを持っている。いわゆる「ニュージャズ」的な聴き方も可能。
ただもう少し「逸脱」してもいいのかもとは思う。少々こじんまりとまとまりすぎている嫌いも。
個人的な趣味としては、このままでもまったくOKではあるが。
■ Nuspirit Hersinki / Nuspirit Hersinki
ファイブ・コーナーズ・クインテット(以下FCQ)のユッカ・エスコラとテッポ・マキネンが参加しているニュー・ジャズ・プロジェクト。2002年リリース。
中心人物は、プロデューサーのトーマス・カリオで、彼はFCQのプロデューサーでもある。その他4人ほどのプロデューサーやDJが中心となって運営されるプロジェクトらしい。
コンセプトは生音とエレクトロニックの融合ということで、このコンセプト自体は目新しくもなんともないが、その融合具合の妙が、ここでは実に見事に心地よい音楽を鳴らす要因となっている。
ヴォーカル・ナンバーも半数ほど含まれるが、生音やヴォーカルを充分に生かしつつ、手触りとしてエレクトロニックな感触を曲によって適度にちりばめていく手法がうまく新鮮に機能している。
いや、さすがにFCQを成功させただけはある。というか、個人的には、こちらのほうが肌に合う。これが7年前のリリースとは思えない。
2008年に次作をリリース。試聴する限りかなり音の変わった印象のあるこちらもいずれ聴いてみたい。
■ Mono Fontana / Ciruelo
いわゆるアルゼンチン音響派のひとり、モノ・フォンタナの、1998年リリースの1stソロ。
虫の声から始まり、南米的なエキゾチズムと哀愁を漂わせた、バンドネオンみたいな音色のシンセが重なる冒頭から、否が応でも惹き込まれる。
レコーディングメンバーは3人。フォンタナのシンセに、パーカッションとチェロ担当のプレイヤーが一人ずつ。なかなかユニークな構成だ。
プロデュースとアレンジ、それにすべての楽曲はフォンタナ自身の手になる。
この全9曲70分超のアルバムで、フィールド・レコーディングされた子供の声や花火の音、動物の声等のさまざまな素材やバクパイプやケチャ等、世界各地の民俗音楽、はたまたクラシック(的)音楽の断片までをも取り込んで展開する世界は、フォンタナの意図したであろう物語性やファンタジー性を色濃く保ちながら、息苦しさとはむしろ反対の、おおらかで、懐の深い、つまりはリスナーを選ばない音として、見事に結実している。
こんな音は聴いたことがない。
多様性、バランス、前衛性、大衆性が、どれ一つとして損なわれることなく、ひとつの音世界をつくりあげる。音化された「物語」の小宇宙を宇宙遊泳している気分になる。
ちなみにタイトルはジャケのイラストが示すとおり"Plum tree"の意。
■ 民主党代表選挙結果について
感想を記す機を逸した感もあるが、とりあえず。
民主党新代表、鳩山さんの掲げるのは「友愛」だそうだ。
そういや、以前も同じことを言っていた気がする。
ネットで検索してみると、鳩山さんの祖父の鳩山一郎元首相が理念として掲げていた言葉だそうだ。なるほど。
そして現在、「鳩山友愛塾」なるものが存在して活動中、と。
私は、多くの国民と同様、基本的に自民党が政権を維持しようと、民主党がそれを奪取しようと、施行される政策は大して変わらないと思う。
ただ、今の自民党はどう考えても「ダメ」だから、なら、選択肢が民主党しかないということなら、自民党よりは少しは「まし」かも、とは思う。「まし」である可能性は否定しない。
しかし、その政権の行方を左右する来るべき総選挙という、おそらく民主党が「のるかそるか」という大勝負を控えた時期に、鳩山新代が掲げた「友愛」というフレーズがどこまで国民にアピールするのかというと、いささか懐疑的にならざるを得ない。「友愛」? 私は率直に言ってこの言葉が、少々恥ずかしかった。
私は鳩山代表の政治理念としての「友愛」の中身については、「友愛塾」サイトに記されてある文言を読んだに過ぎないから、言葉自身の、一般的な意味での「是非」や「適不適」を云々しているわけではない。
そうではなく、国民に対して党や自身の理念を表現する言葉として「問題」があると思うのである。人間陶冶の一環として、たとえば教育機関がそれを謳うのはいいだろう。
が、これから行われる選挙で政権奪取を考える政党がそれを掲げるのはどうだろうかと思うのである。同じような意味でも、たとえば「国民の側に立った弱者救済の政治」と言うほうが、あるいは、上記サイトにある文章から拾えば、せめて「共生」のほうが、この場合は適切ではないのか、ということだ。いや、きっと「同じような意味」でもないのだろうな。
いずれにしろ、もうちょっと何とかならなかったのだろうか。「浮世離れ」が必ずしも悪いとは言わないが、この場合の「ズレ」がそれなりのものだとは言わざるを得ない。
代表戦後の調査を見ると、国民は、「友愛」をさして意に介していないようにも思える。国民の多くは、端から「言葉」なぞどうでもいいと思っているのかもしれない。しかし、言葉というものは、少なくとも政治家にとっては、「生命線」のひとつだろう。
岡田さんが代表当時に行われた、例の「郵政選挙」での「負け方」がすがすがしかっただけに、ちょっと惜しい気がする。彼が、おそらく「小沢一郎と距離がある」こと以外に、多くの国民が、それを記憶していたから、今回国民に支持されたということもあるのではないか。
民主党の議員さんの多くは、その可能性に気がついていないかもしれないが。
民主党新代表、鳩山さんの掲げるのは「友愛」だそうだ。
そういや、以前も同じことを言っていた気がする。
ネットで検索してみると、鳩山さんの祖父の鳩山一郎元首相が理念として掲げていた言葉だそうだ。なるほど。
そして現在、「鳩山友愛塾」なるものが存在して活動中、と。
私は、多くの国民と同様、基本的に自民党が政権を維持しようと、民主党がそれを奪取しようと、施行される政策は大して変わらないと思う。
ただ、今の自民党はどう考えても「ダメ」だから、なら、選択肢が民主党しかないということなら、自民党よりは少しは「まし」かも、とは思う。「まし」である可能性は否定しない。
しかし、その政権の行方を左右する来るべき総選挙という、おそらく民主党が「のるかそるか」という大勝負を控えた時期に、鳩山新代が掲げた「友愛」というフレーズがどこまで国民にアピールするのかというと、いささか懐疑的にならざるを得ない。「友愛」? 私は率直に言ってこの言葉が、少々恥ずかしかった。
私は鳩山代表の政治理念としての「友愛」の中身については、「友愛塾」サイトに記されてある文言を読んだに過ぎないから、言葉自身の、一般的な意味での「是非」や「適不適」を云々しているわけではない。
そうではなく、国民に対して党や自身の理念を表現する言葉として「問題」があると思うのである。人間陶冶の一環として、たとえば教育機関がそれを謳うのはいいだろう。
が、これから行われる選挙で政権奪取を考える政党がそれを掲げるのはどうだろうかと思うのである。同じような意味でも、たとえば「国民の側に立った弱者救済の政治」と言うほうが、あるいは、上記サイトにある文章から拾えば、せめて「共生」のほうが、この場合は適切ではないのか、ということだ。いや、きっと「同じような意味」でもないのだろうな。
いずれにしろ、もうちょっと何とかならなかったのだろうか。「浮世離れ」が必ずしも悪いとは言わないが、この場合の「ズレ」がそれなりのものだとは言わざるを得ない。
代表戦後の調査を見ると、国民は、「友愛」をさして意に介していないようにも思える。国民の多くは、端から「言葉」なぞどうでもいいと思っているのかもしれない。しかし、言葉というものは、少なくとも政治家にとっては、「生命線」のひとつだろう。
岡田さんが代表当時に行われた、例の「郵政選挙」での「負け方」がすがすがしかっただけに、ちょっと惜しい気がする。彼が、おそらく「小沢一郎と距離がある」こと以外に、多くの国民が、それを記憶していたから、今回国民に支持されたということもあるのではないか。
民主党の議員さんの多くは、その可能性に気がついていないかもしれないが。
■ Romero Lubambo & Weber Drummond / Face to Face
ブラジルのギタリストのホメロ・ルバンボとピアノ/キーボーディストのウェベール・ドラモンドのデュオアルバム。93年リリース。
この翌年にもデュオとして'Two'がリリースされる。
リリース元のGSPはガットギターの弦のメーカーらしい。
ルバンボはほぼガットギターだが、いくらかエレキも。ウェベールも、ほぼ音色は生ピアノだが、エレピ(クレジットは"acoustic and electric keybords")も少しという配分。実際に何が使われているのかは不明。
曲は、2人のオリジナルにジスモンティやドリ・カイミのカヴァーが加わる。
曲想も比較的リズムの勝ったものやスロウでメロディアスなものまで様々。
ルバンボのギターはどの曲でも、実に艶やか。ウェベールはどちらかというとやや控えめで、ルバンボを「立てる」ようなプレイに聴こえるが、個人的には逆にそのあたりに好感が持てる。
南米やブラジルの音楽に特有の「哀愁」味もここでは控えめで、味わいはさっぱりとしている。
2人ともかなりテクニカルなプレイを見せているのだろうが、その辺を感じさせないのも「達人」の域の証か。
これもまたルバンボ絡みの逸品のひとつだろう。
■ Ljudbilden & Piloten / One hundred Fifty-Five
スウェーデン出身&在住のミュージシャン兼映像作家で、本名クリストファー・ストロームのソロユニットということらしい。曲と演奏はすべて彼一人のクレジット。2008年リリース。かつてはポストロック・バンド「レムコ・ホール」のギタリストということである。
映像作家でもあるということからか、封入されているブックレットは全編様々な素材をコラージュしたポップアートみたいなグラフィックで埋め尽くされている。
ちなみにユニット名の前半部の発音が「ジュデビルデン」なのか「ユードビルデン」なのか、(後半は「ピローテン」でよさそうだが)、はたまたいずれでもないのか不明。
音は、アコースティックな肌触りのエレクトロニカということでいいんでしょう。ただし、感触としてはエレクトロニックだったりラップトップ的だっりという部分はきわめて希薄。
アコースティックギターや生ピアノ、ホーン類、メロディカ、パーカッション等の、穏かで耳にやさしい音が続く。コーラスが入る曲もあるが、それも楽器の一つとして使われている感じ。
ミニマルなところもあるが、聴いていると、そういう部分はほとんど意識されない。メロディも豊かで穏か。ほのかなリリシズムも相まって、ひたすら心地よい。
近いのは同じスゥエーデン出身の'Tape'の近作だろうか。ただ、もっとポップでとっつきやすい感じがする。
音の響きにもかなり神経が行き届いているように思う。
季節的には、初夏を迎える今がフィットするのでは。
いい意味で万人向けの音だろう。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.15 「トランジスタ・ラジオ」
別段意識したわけではないのだが、RCサクセションのバンドとしての映像を今回ほとんど取り上げなかったのは、おそらく今の私にとって、80年代の、つまりRCが活動中の清志郎が「若すぎる」ように思えたからだろうと思う。あるいはバンドという形態が、私には「青春的」なものとして捉えられていたせいかもしれない。
バンドの、このヒット曲も、92年の、ソロになってからの"with Booker T. & the MG.'s and Memphis Horns"という豪華なライブから。それにしても、スティーヴ・クロッパーがこの曲のイントロを弾くなんて最高だ。そして改めて思ったのは、清志郎ほど明瞭な日本語を発声したシンガーもいないということだ。
「君の知らないメロディ、聴いたことのないヒット曲」は、考えてみれば奇妙な詞かもしれない。私たちはふつう「知っている」曲をラジオで聴きたがるものだからだ。しかし当然、「知っている」ものだけが、心地よかったり、価値を持っていたりするわけではない。私たちを変えてくれるのはいつも「知らない」ものである。
ということで、今回の哀悼週間、これで打ち止めにしたいと思う。
清志郎の音楽の「意味」を感じ入る期間になった。それがこういう「時」であったというのは、悲しいことではあるけれど。
実は、一時RCのアルバムはうちに何枚かあったのだが、確認してみると今は手元にまったくないようである。清志郎がソロになってからの作品も「メンフィス」を聴いたにすぎないし、それもまた手元にない。また聴いてみようという気になっているので、そのうちここで取り上げる機会もあるかもしれない。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.14 「いい事ばかりはありゃしない」by 仲井戸麗市
どうしてだか知らないが、このRCの名曲のライブ映像が、バンドのものとしても、清志郎のソロとしてもUPされていない。
ということで、ここはチャボがソロで歌う同曲を。珍しいんじゃないのかな、こういうの。いや、チャボも結構ソウルフルである。いいよな、これ。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.13 「オーティスが教えてくれた」
なんとスティーヴ・クロッパーのギターだけで清志郎が歌う。
タイトルは「オーティスが教えてくれた」。詞は清志郎で、曲はスティーブ・クロッパー。
「オーティス」は、むろん「オーティス・レディング」のことで、スティーヴ・クロッパーが、かつてブッカー・T&ザ・MGズの一員としてバッキングをつとめていたソウル・シンガー。
スティーヴ・クロッパーが清志郎の歌う姿に、涙しているようにも見える。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.12 「Don't Let Me Down 」
ご存知ビートルズの名曲。
まさに我々の心情を言葉にしたようなタイトル。
盟友チャボこと仲井戸麗一とのデュオ・ヴァージョン。清志郎のヴォーカルはここでも実にタイトでソウルフル。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.11 「後ろの奴等のために」
おそらく即興に近いのだろう清志郎のパフォーマンス。
つまりは、彼が自らを「後ろの奴等」だと考えているということだ。
「前の奴等」に何の気兼ねをすることもなく、つまりは彼らも「後ろの奴等」であることを知っていて、要は、ここに集うすべてが「後ろの奴等」だと承知した上で紡がれるこの詞と曲は、終盤に来て、「メッセージ」を受けた聴衆の高揚したレスポンスの中で「感動的」な盛り上がりを見せる。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.10 「激しい雨」
最後のオリジナルアルバムとなった2006年リリースの「夢助」より。
レコーディングされたナッシュビルの「B.B.KING BLUES CLUB」でのライブ。バッキングにはアルバムのプロデューサーのスティーヴ・クロッパーも。
清志郎の「音楽」の原点(の一つ)は、やはりここにあるというのがダイレクトに伝わってくる。
「RCサクセションが聞こえる」というラインが耳に残る。うがった聴き方かもしれないが、もしかしたら「再結成」も頭にあったのではとも思う。
そういえば、5/8の夜、NHK-FM「ミュージックライン」の清志郎追悼番組で渋谷陽一が、清志郎が、RCは解散ではなく、活動停止中なんだと言っていたという話をしていた。
番組は、比較的「王道」の選曲だったが、渋谷陽一のコメントには、さすがに長年清志郎を取材してきただけあって、清志郎への敬意と彼の音楽への深い洞察がうかがわれ、教えられるところが多かった。その中でも触れられていたが、清志郎は日本のロックの牽引者とか言われるし、確かにそういう役割も担ってきたが、一方で、彼自身は「異端」であり「孤高」であり続けた。彼の書く曲は、彼のヴォーカルパフォーマンスがあって初めて「成立」するという側面があるということだ。確かにそうかもしれない。
番組を聴いて改めて思ったのは、上記のような事情があることを理解した上で、「詩(詞)人」としての清志郎の力量である。こんなテーマでこんな詞を、あんなふうに歌うシンガーはいない。
「不世出」とか「唯一無比」ということの意味をもう一度感じることになった。
しかし、この曲の詞もまた、何某かの「かけがえのないもの」を失う設定である。そしてそこから「再生」を図ることを促す詞である。
我々は「喪失」と「再生」を繰り返す。
レコーディングされたナッシュビルの「B.B.KING BLUES CLUB」でのライブ。バッキングにはアルバムのプロデューサーのスティーヴ・クロッパーも。
清志郎の「音楽」の原点(の一つ)は、やはりここにあるというのがダイレクトに伝わってくる。
「RCサクセションが聞こえる」というラインが耳に残る。うがった聴き方かもしれないが、もしかしたら「再結成」も頭にあったのではとも思う。
そういえば、5/8の夜、NHK-FM「ミュージックライン」の清志郎追悼番組で渋谷陽一が、清志郎が、RCは解散ではなく、活動停止中なんだと言っていたという話をしていた。
番組は、比較的「王道」の選曲だったが、渋谷陽一のコメントには、さすがに長年清志郎を取材してきただけあって、清志郎への敬意と彼の音楽への深い洞察がうかがわれ、教えられるところが多かった。その中でも触れられていたが、清志郎は日本のロックの牽引者とか言われるし、確かにそういう役割も担ってきたが、一方で、彼自身は「異端」であり「孤高」であり続けた。彼の書く曲は、彼のヴォーカルパフォーマンスがあって初めて「成立」するという側面があるということだ。確かにそうかもしれない。
番組を聴いて改めて思ったのは、上記のような事情があることを理解した上で、「詩(詞)人」としての清志郎の力量である。こんなテーマでこんな詞を、あんなふうに歌うシンガーはいない。
「不世出」とか「唯一無比」ということの意味をもう一度感じることになった。
しかし、この曲の詞もまた、何某かの「かけがえのないもの」を失う設定である。そしてそこから「再生」を図ることを促す詞である。
我々は「喪失」と「再生」を繰り返す。
■ 予定変更
予定を変更して、もう少し清志郎の動画紹介を継続することにする。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.9 「スローバラード」version2
「スローバラード」を別ヴァージョンで。こちらは、ソロになってからのもの。
RCでのバンド・ヴァージョンに比較的近い。ホーン隊が参加せず、ヴァイオリン他のストリングスが入っているところが珍しいが違和感はあまりない。
しかし、「弾き語り」とこのヴァージョン、あるいはRCのヴァージョンから受ける印象がほとんど変わらないというのはすごい。それだけ清志郎の「歌」の力が強いということなのだろう。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.8 「ひとつだけ」with 矢野顕子
2006年大阪城ホールで行われた忌野清志郎 ３５周年スペシャルライブから。
矢野顕子の「ひとつだけ」を、ピアノとブルースハープだけで二人で歌う。
清志郎の歌う詞は、男性の立場に合わせて少し手が入っている。
これは名演だろう。
矢野顕子が訃報に接して、「心の美しさが歌に表れている人でした」とコメントしたのがとてもよくわかる気がする。
今日は、東京青山で清志郎の告別式が行われたとニュースが何度も報じていた。
昨日までの雨も上がり、いい天気になったのはよかった。私は知らなかったが、きれいな虹も架かったそうだ。
ロッキング・オンの編集者の各ブログを見ると、いい告別式だったようだ。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.7 「スローバラード」
「スローバラード」の弾き語りヴァージョン。やはり名曲。
「悪い予感のかけらもないさ」と「ぼくら、夢をみたのさ。とってもよく似た夢を」は「必殺」のライン。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.6 「Remember You」
元ブルーハーツ、当時ハイロウズの甲本ヒロトとのデュエット・ライブ。
この曲も、なんだかついつい我々の気持ちを代弁しているかのように聞こえてしまう。
この曲も、なんだかついつい我々の気持ちを代弁しているかのように聞こえてしまう。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.5 「メドレー」
2001年にテレビに出演したときの、フライングV(!)による弾き語りライブ。
オリジナルからカヴァーまでを取り混ぜたメドレー形式。
一時発禁になった「カヴァーズ」からの曲や「君が代」パンク・ヴァージョンもちらっと。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.4 「空がまた暗くなる」
91年の、ソロになってからのライブだが、曲は、これもRC最後のアルバムから。
清志郎、結構精悍にやせてますね。ともかくも、いい曲だ。
「大人だろ、勇気を出せよ」
清志郎、結構精悍にやせてますね。ともかくも、いい曲だ。
「大人だろ、勇気を出せよ」
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.3 「太陽の当たる場所」
今回初めて聴いた曲。ということはたぶん、ソロになってからの曲なんだろう。
この曲も、なんだかNHKの「みんなのうた」に出てきそうな、わかりやすいメロディと言葉を持っている。
彼の「純情」なところが出ているように思う。
それにしてもこの詞は、今となっては、清志郎が我々のために残したようにも思える。
この曲も、なんだかNHKの「みんなのうた」に出てきそうな、わかりやすいメロディと言葉を持っている。
彼の「純情」なところが出ているように思う。
それにしてもこの詞は、今となっては、清志郎が我々のために残したようにも思える。
■ 忌野清志郎 哀悼 vol.2 「あふれる熱い涙」
今週は、You Tubeからの映像を紹介していくことで、忌野清志郎の哀悼週間とすることにした。
ちなみに順序になんらかの規則性があるわけではない。
RCサクセションの最後のアルバム"Baby a Go Go"から。プロモーションビデオなのかもしれない。
画質はいまひとつだが、作品としての出来は割りにいいんじゃないかと。
個人的には発売直後に聴いたアルバムだった。
しかし改めて、清志郎の書く曲というのは、本当にわかりやすく、明解で、しかも多様な意味を孕み、さらに「強い」。
ちなみに最初の40秒ほどは無音です。
ちなみに順序になんらかの規則性があるわけではない。
RCサクセションの最後のアルバム"Baby a Go Go"から。プロモーションビデオなのかもしれない。
画質はいまひとつだが、作品としての出来は割りにいいんじゃないかと。
個人的には発売直後に聴いたアルバムだった。
しかし改めて、清志郎の書く曲というのは、本当にわかりやすく、明解で、しかも多様な意味を孕み、さらに「強い」。
ちなみに最初の40秒ほどは無音です。
■ 清志郎
ちょっと待ってくれよと思った。まさかと思った。
むろん清志郎が癌で闘病していることは知っていたが、こんなに早く、それも突然に訃報を聞くことになるとはまったく想像もしていなかった。
これまでと同じような活動はできなくとも、いずれそう遅くない時期に「活動再開」の一報を聞くことになるだろうとばかり思っていた。
何の面識もないひとりのミュージシャンの訃報にこれほどショックを受け、動揺している自身に、少し驚いている。
でも考えてもいなかったのだ。病気が病気だけに、そちらのほうが却って不思議なのかもしれない。けれどやはり考えていなかった。
私にとっては最も信頼できる日本のミュージシャンのひとりだったと思う。自らの言葉と声を持ったシンガーだった。
渋谷陽一が、自身のブログ(5/3付)で触れているように、まさに「同時代に生きられて幸運」だったと素直に思わせてくれるミュージシャンだった。
ご冥福をお祈りいたします。としか言えないのが歯がゆい。
■ Santana / Lotus
サンタナについては以前、「�掘廚函屮�ャラバン・サライ」について書いたが、同時期に初期のアルバムのいくつかも聴いた。皆、悪くなかったが、やはりこのCD2枚組ライブアルバム「ロータス」(邦題は「ロータスの伝説」)が最も強い印象を残した。
このアルバム、73年の大阪公演のライブを収めたもので、バンドは「ニュー・サンタナ・バンド」として、先述の2枚のアルバムから随分メンバーが変わっている。ここにはグレッグ・ローリーもニール・ショーンもいない。メンバーは、残ったドラマーのマイケル・シュリーブと、パーカッション系プレイヤー2人に、トム・コスタともう一人キーボード・プレイヤーがおり、あとはベーシスト、ヴォーカル兼パッカーション・プレイヤーとサンタナ自身の計8名。ベーシストとドラマー以外には全員、「パーカッション」のクレジットが付いている。
ヴォーカルナンバーは「ブラック・マジック・ウーマン」だけで、いくらかコーラスが入るものを除けばすべてインストゥルメンタル。
ともかくも、ラテン系のリズムを刻み続けるパーカッションの乱舞が最も耳に付く。その中を、サンタナーの、とても当時ベジタリアンだったという話が信じられないようなブルース・ベイストのギターが、時にアグレッシヴに、時に「哀愁」と「叙情」を湛えて駆け回るという展開。マイケル・シュリーヴは無論のこと、キーボード陣も悪くない。
ということで、ラテン系ジャズ・ロック&ファンクとして実に痛快でスリリングな音になっている。ライブならではのインプロや実験性、マイケル・シュリーブのドラムソロ等を盛り込んでリスナーを飽きさせない。
やはり噂に違わぬ傑作だった。
